Este libro está dedicado al coleccionismo privado en Estados Unidos y su relación con las instituciones públicas. Al narrar las historias que se esconden tras la creación de muchos de los principales museos de aquel país, trece autores analizan una larga tradición de coleccionismo privado y filantropía. Coleccionistas generosos como Henry Clay Frick, Andrew Mellon y Solomon e Irene Guggenheim cumplieron sus sueños creando la Frick Collection, la National Gallery of Art de Washington, DC, y el Guggenheim Museum, respectivamente. John G. Johnson legó a la ciudad de Filadelfia su colección como un museo independiente que quedó más tarde bajo la administración del Philadelphia Museum of Art. El apoyo y la contribución de Eleanor y Edsel Ford fueron clave para el Detroit Institute of Arts. Samuel Putnam Avery era un marchante, asesor y coleccionista con gran conciencia cívica cuya colección de porcelana ayudó a formar el Departamento de Arte Asiático del Metropolitan Museum of Art de Nueva York. Muchos coleccionistas, entre ellos Catharine Lorillard Wolfe, Michael Friedsam, Adelaide de Groot y Martin A. Ryerson, hicieron donaciones significativas a museos ya fundados como el Metropolitan o el Art Institute de Chicago. Por último, el coleccionista Robert Gilmor y seguramente también Mary Jane Morgan aspiraban a construir sendas colecciones públicas, pero por distintas razones no lo consiguieron. “What’s Mine is Yours” es un homenaje a Inge Reist, primera directora y ahora directora emérita del Center for the History of Collecting de la Frick Art Reference Library.

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El CEEH y el CSA dedican un nuevo libro a la obra del escultor Mariano Benlliure (1862- 1947) en Estados Unidos, conservada principalmente en la ciudad de Nueva York, en la colección de la Hispanic Society of America, entidad coeditora del volumen.

Sus primeros clientes neoyorquinos fueron el magnate, coleccionista y mecenas Henry G. Marquand, segundo presidente del Metropolitan Museum, que firmó con Benlliure un encargo en 1883, y Samuel Ward, otro destacado amante del arte e influyente personaje de la sociedad norteamericana que por las mismas fechas le pidió que esculpiera su busto. Sin embargo, su principal benefactor durante el primer tercio del siglo XX fue Archer M. Huntington, fundador de la Hispanic Society of America, quien le encargó una importante serie de retratos de los personajes más destacados del panorama cultural español del momento, además de comprarle otras obras para la institución. Con todo, el proyecto de mayor envergadura escultórica sería el monumento al congresista William A. Jones para la ciudad de Warsaw, en Virginia.

Seis reconocidos especialistas (L. Enseñat Benlliure, L. Azcue Brea, C. del Álamo, C. Domenech, J. Gimeno y B. Pons-Sorolla) abordan la cuestión desde sus campos respectivos: el papel de la Hispanic Society en el panorama cultural neoyorquino durante aquellos años; la escultura figurativa en España, incluida la presencia de los más destacados escultores españoles en Hispanoamérica; la exposición medallística de 1910 celebrada en Nueva York, origen del trato directo entre Benlliure y Huntington, cuya conexión con la escultura se analiza a través de su segunda esposa, la escultora Anna Hyatt, también relacionada con su colega español; los estrechos vínculos entre Benlliure y Sorolla, dos de los artistas mejor representados en la colección de la Hispanic Society; y la fortuna crítica del escultor en Estados Unidos.

La segunda parte del libro es un análisis exhaustivo y sistemático de cada una de las obras que Benlliure realizó para Estados Unidos, contextualizada a través de documentos, cartas, fotografías y noticias publicadas en prensa, muchas de ellas inéditas. Esta labor de estudio y catalogación corre a cargo de las directoras del volumen, Lucrecia Enseñat Benlliure (arquitecto, bisnieta del escultor y experta en su obra) y Leticia Azcue Brea (jefa del Área de Escultura y Artes Decorativas del Museo Nacional del Prado).

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Alonso Berruguete (h. 1488-1561) revolucionó el panorama artístico del Renacimiento español con un estilo escultórico de gran dramatismo que refleja la década larga que el palentino, formado como pintor, pasó de joven en Italia, adonde viajó hacia 1506. Allí coincidió con Miguel Ángel y otros grandes artistas del momento. En 1518 regresó a España y fue nombrado pintor de corte del nuevo rey, el emperador Carlos V. Con el tiempo se trasladó a Valladolid, donde comenzó a centrarse en la escultura y abrió un gran taller del que salieron asombrosos retablos decorados con tallas de madera policromada.

Este catálogo generosamente ilustrado es el primero en abordar en inglés el arte y la carrera de Berruguete en su conjunto. A través de sus páginas se puede seguir la trayectoria del artista, desde sus comienzos en Castilla hasta sus años finales en Toledo, donde realizó su última gran obra, el sepulcro de mármol del cardenal Juan de Tavera. El discurso cronológico se enriquece con el análisis de aspectos importantes de su vida y su práctica artística: su tortuosa relación con la posición social y el dinero; su actividad como dibujante y el empleo de estampas; cómo trabajaba con numerosos ayudantes para crear sus tallas de madera; y su legado como artista.

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Alonso Berruguete (h. 1489-1561), primer escultor del Renacimiento español, realizó de joven una fructífera estancia en Italia, donde convivió con Miguel Ángel, Rafael o Bramante y se contagió de su euforia por los ideales antiguos y de su manera de ver el arte. Sarcófagos, ruinas y estatuas encendieron su fantasía, en especial el Laocoonte, exhumado poco antes de su llegada: su patetismo teatral, su virtuosismo anatómico y la danza de los cuerpos en el espacio marcaron de manera indeleble su obra.

En 1518 volvió a Castilla con la imaginación llena de ninfas, seres grotescos y tragedias clásicas. Se sentía un renacentista, un artista «nuevo», dispuesto a desafiar a las viejas autoridades y defender su ingenium. Con este bagaje alumbró una obra llena de emoción y vehemencia visual. Sus retablos, sepulcros y esculturas delatan una obsesiva preferencia por la vena sombría y «nocturna» del Renacimiento: no la apolínea, sino la dionisíaca, la del gesto tormentoso y desmedido, la de la fiebre expresiva y la terribilità que padecen los «hijos del Laocoonte». Aquí radica la «palpitación» moderna de Berruguete, en su clasicismo anticlásico, en la primacía dada a la libertad rítmica y al desgarro, a una subjetividad extrema en la que la fuerza de lo antiguo se alía con la frescura de lo moderno.

La primera sección del catálogo está dedicada a cuestiones contextuales, como el acercamiento a la Antigüedad en el arte italiano del siglo XVI; la erudición arqueológica y el desarrollo de la escultura en la Roma que conoció Berruguete; el coleccionismo de antigüedades en el Renacimiento hispano; o el estado del conocimiento del mundo clásico en la España de 1500. La segunda sección se centra en la huella del Laocoonte en Berruguete, la estela de los sarcófagos en sus representaciones pasionales, el repertorio de gestos y fórmulas expresivas tomados de la Antigüedad, así como su faceta de arquitecto y su idea del arte moderno, basada en la primacía del dibujo.

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Este libro es un homenaje a los soberbios ejemplos de la obra del Greco conservados en Estados Unidos. El estilo tan personal del artista tenía un aire de modernidad que atraía a los coleccionistas de aquel país, gracias a lo cual los museos americanos poseen muchos de los mejores Grecos que hay fuera de España. Once especialistas abordan el estudio de coleccionistas particulares como Arabella Huntington, Louisine Havemeyer, Henry Clay Frick, Peter Widener y Duncan Phillips, pero analizan también el impacto de las exposiciones en las que pudieron verse obras del cretense y el papel que desempeñaron artistas-asesores como Mary Cassatt, John Singer Sargent y Roger Fry.

Partiendo de una rica documentación de archivo, en gran parte inédita hasta ahora, los autores de este volumen demuestran el denuedo con el que los coleccionistas americanos compitieron por las obras del Greco y el lugar tan destacado que concedieron en sus casas a los cuadros del cretense, que a menudo colgaron junto a otros de pintores más modernos como Degas o Manet. Al hacerlo, y al fomentar la compra de cuadros del Greco por parte de las instituciones públicas que financiaban, forjaron la reputación internacional de este artista entre el público contemporáneo, garantizando un aprecio por su estilo único que se mantiene todavía.

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Francisco de Zurbarán (1598-1664) pasó la mayor parte de su vida artística en Sevilla, donde realizó una serie con trece personajes del Génesis representados a tamaño natural: Jacob y sus doce hijos. Aunque pudo ser fruto de un encargo de las Américas, fue subastada en Inglaterra a mediados del siglo XVIII en la almoneda de un comerciante judío llamado Benjamin Mendez. Richard Trevor, obispo de Durham, se hizo con doce de los trece cuadros y encargó una copia de Benjamín (hoy en la colección de los descendientes de Lord Willoughby de Eresby) e instaló la serie en Auckland Castle para reivindicar la necesidad de tolerancia y entendimiento social, político y religioso entre los cristianos y los judíos de Gran Bretaña.

En este catálogo, que acompaña a la exposición celebrada en Dallas, Nueva York y Jerusalén distintos especialistas analizan la serie desde el punto de vista histórico, religioso, artístico y técnico, aportando novedades sustanciales sobre la iconografía de las doce tribus de Israel, las fuentes visuales y las prácticas artísticas de Zurbarán. El resultado es la contribución más exhaustiva hasta la fecha a una de las series más ambiciosas del maestro.

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Joaquín Sorolla y Bastida (1863-1923) disfrutó de gran fama en sus dos visitas a los Estados Unidos, cuando los museos norteamericanos compitieron por hacerse con sus exposiciones monográficas en 1909 y 1911, y la adquisición de sus obras era motivo de orgullo para las colecciones públicas y privadas. Este volumen estudia el entramado de relaciones personales que sustentaron aquella fascinación colectiva por Sorolla, el artista español más admirado fuera de España a comienzos del siglo XX.

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En 1872 el eminente historiador belga Louis-Prosper Garchard alabó las Instrucciones secretas de Carlos V al futuro Felipe II escritas en Palamós el 4 y el 6 de mayo de 1543, calificándolas de «monumentos de sabiduría y prudencia nacidos de una madura experiencia en el arte de gobernar y un profundo conocimiento de los hombres y de sus asuntos. Estas cartas por sí solas bastan para situar a Carlos V en primera fila de los estadistas de su época».

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Este catálogo publica por primera vez toda la colección de dibujos españoles de la Hamburger Kunsthalle. Algunas de sus obras eran ya conocidas por su singular importancia, habiéndose expuesto en varias ocasiones; faltaba un estudio completo del conjunto, su historia y los problemas atributivos que suscita.

El fondo de este museo alemán contiene obras de los más destacados maestros españoles de los siglos XVI al XVIII, desde Juan de Juanes hasta Francisco de Goya pasando por los máximos representantes del Siglo de Oro, entre ellos Carducho, Francisco de Herrera el Viejo, Alonso Cano, Antonio del Castillo o Murillo.

La versión inglesa del libro acompaña la exposición de una selección de piezas en el Meadows Museum de Dallas (mayo–agosto 2014); la versión española corresponde a la segunda sede de esta muestra en el Museo Nacional del Prado (septiembre 201–enero 2015).

En ambos casos el catálogo se publica con la colaboración del CEEH y el CSA.

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En abril de 2011 el Institute of Fine Arts de la New York University celebró el simposio Contemporary Transatlantic Dialogues, organizado por el Center for Spain in America. Este volumen reúne los diálogos y ponencias presentadas en aquella reunión de historiadores del arte, críticos, artistas, conservadores y directores de museos de España y los Estados Unidos.

Tras cuatro décadas de dictadura y durante la transición a la democracia que siguió a la muerte de Francisco Franco en 1975, España entró en una nueva etapa de su historia política y cultural. Los contactos que de manera esporádica y por motivos políticos se iniciaron desde la década de 1950 entre artistas españoles y norteamericanos se han convertido durante las últimas décadas en un fluido intercambio de ideas y proyectos de colaboración. Este libro centra su atención en los temas clave y las experiencias que han ido dando forma al diálogo cultural entre los dos países en los últimos 50 años.

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En el primer estudio crítico completo del Voyage pittoresque en Espagne del Baron Taylor (1789-1879), Luxenberg analiza con brillantez tanto la larga gestación del libro como las múltiples facetas de la carrera de su autor, descubriendo aspectos hasta ahora desconocidos de la biografía de Taylor. Gracias a abundantes fuentes de archivo, esta investigación revela estrechos vínculos entre los viajes de Taylor a la Península Ibérica, el Voyage pittoresque en Espagne y el conjunto de pinturas que el rey Luis Felipe expuso en la Galería Española del Louvre entre 1838 y 1848. Asimismo, Luxenberg pone en duda la autoría única del Voyage pittoresque analizando sus grabados en paralelo con la inédita serie de dibujos que les sirvieron de base.

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Aunque muchas de sus piezas están relacionadas con cuadros y encargos célebres, la colección de dibujos españoles de la Universidad de Princeton era en gran parte desconocida hasta ahora. La mayoría de estas obras no habían sido publicadas nunca y muchas se atribuyen aquí por primera vez a un artista concreto, gracias a la investigación realizada por Lisa Banner y la colaboración de un grupo de especialistas de alto nivel.
Las 86 fichas de este catálogo reproducen en color sus correspondientes dibujos, frecuentemente acompañados de ilustraciones comparativas paralelas. Las filigranas documentadas mediante radiografías se incluyen en un apéndice. También se registra la procedencia de cada dibujo y se facilita una breve biografía de su autor en cada caso, proporcionando así un instrumento de referencia sobre una importante colección de dibujo español fuera de España, donde figuran artistas como Ribera, Murillo, Goya, Picasso y Dalí.

La investigación y la publicación resultante de este proyecto han sido financiadas por el Center for Spain in America.

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Este libro estudia por qué y de qué manera muchos de los grandes coleccionistas norteamericanos —entre ellos Isabella Stewart Gardner, Henry Clay Frick, Charles Deering, Archer Huntington, William Randolph Hearst y Algur Meadows— aumentaron y enriquecieron con obras de arte español sus respectivas galerías, museos y residencias. Los autores de los ensayos reunidos en este volumen analizan la formación del gusto por lo español, desde los viajes trasatlánticos a las visitas a las exposiciones universales, así como el activo papel que desempeñaron algunos artistas contemporáneos, marchantes de arte y asesores decisivos en la importación a América de obras españolas que luego tuvieron una gran influencia en el desarrollo de colecciones privadas y públicas en Estados Unidos.

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CSA y CEEH coeditan junto a The Hispanic Society of America una cuidadosa actualización del clásico libro publicado por Priscilla E. Muller en 1972, hasta ahora una rareza bibliográfica para coleccionistas y expertos. En colaboración con la autora, Ediciones El Viso se ha encargado de la revisión del texto, su ilustración con nuevas imágenes a todo color y su publicación en dos versiones, española e inglesa.

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